Smetto quando voglio - Recensione

Regia Sydney Sibilia

Attori Edoardo Leo, Valeria Solarino, Valerio Aprea, Lorenzo Lavia, Stefano Fresi,
Paolo Calabresi, Pietro Sermonti, Libero De Rienzo, Neri Marcorè

Trama

Pietro è un ricercatore universitario specializzato in neurobiologia, vive con la compagna Giulia, e a causa della crisi fatica a sbarcare il lunario. Umiliato da una condizione che non lo valorizza e che non gli garantisce sicurezza economica, decide di impiegare le sue conoscenze per produrre una nuovissima droga, non ancora vietata in Italia e quindi perfettamente legale. Per realizzare l’impresa si circonda di un manipolo di accademici ridotti nelle sue stesse condizioni: i latinisti Mattia e Giorgio, il chimico Alberto, l’antropologo Andrea, l’economista Bartolomeo, e l’archeologo Arturo. Il successo nel loro nuovo business li esporrà all’attenzione del Murena, boss della droga romana, e a quella delle forze dell’ordine che, dopo aver inserito la loro creazione nella lista delle sostanze illecite, cominciano a seguire con sempre maggiore interesse i loro traffici.

Recensione

Nei tempi di crisi qualsiasi discorso etico finisce col passare in secondo piano di fronte alla prospettiva di una vita che non garantisce la sopravvivenza, così 7 ricercatori universitari si vedono costretti a reinventarsi, riciclandosi come produttori e spacciatori di droga. Le potenzialità comiche della pellicola risultano evidenti, ma vengono sfruttate solo parzialmente. Il film stenta infatti a decollare, soprattutto per un difetto strutturale nella sceneggiatura, che vede la storia arrivare al dunque solo attorno alla mezz’ora del film, addormentando così il primo terzo della pellicola. Questa prima parte si limita a mostrare la vita frustrante del protagonista, il quale non vede affatto tradursi in successo professionale, e quindi economico, gli sforzi fatti fino a quel momento, e nemmeno il suo talento indiscusso sembra essere riconosciuto dai superiori, che lo snobbano proprio perché non sembrano essere in grado di comprenderlo. I personaggi che gravitano attorno a questa “astuta mente criminale” (e dai quali dipende gran parte della verve comica della pellicola) sono anch’essi dei piccoli geni nei rispettivi ambienti accademici, costretti ad accontentarsi di un lavoro mal retribuito e del tutto scollegato dal proprio settore di competenza. Il successo della loro impresa, va di pari passo con un’impennata della pellicola, anche se questa non sembra essere del tutto ben gestita. La banda si troverà a fare i conti con il successo e con la conseguente ingordigia di alcuni suoi elementi, ed è proprio a questo punto della storia che la narrazione prende una piega non definita. Si notano infatti echi drammatici che rendono poco chiaro il tono di questa commedia dai dichiarati intenti comici, che finisce col tradurre questa mancata chiarezza in situazioni confuse ed involontariamente grottesche. Il finale recupera in leggerezza, traducendo l’intera storia in una stramba parentesi in cui degli incorreggibili sfigati si impongono rocambolescamente all’interno di un mondo, quello della malavita, a loro totalmente sconosciuto, fino a venirne risputati, non prima di avere però gettato scompiglio nella struttura criminale contro la quale si sono involontariamente scontrati. È un film che parte da un buonissimo spunto, caratteristica non rara nel cinema italiano degli ultimi anni (un esempio può essere rappresentato dalla pellicola Immaturi di Genovese), ma che ha nella stesura e nel mancato sviluppo di alcune sue potenzialità dei difetti evidenti. Risulta però un discreto tentativo della commedia italiana, fino a poco tempo fa identificata quasi totalmente con il “fenomeno” dei cinepanettoni, di cimentarsi con la realtà contemporanea e con la crisi economica attuale, tema che ha dato spunto a non pochi personaggi del nostro cinema, come Checco Zalone in Sole a catinelle e Carlo Verdone in Posti in piedi in paradiso. Ne risulta un prodotto tutto sommato godibile che non offre di certo proposte di risoluzione al problema (l’idea di base infatti è un evidente tentativo di raggirare il problema, proprio in mancanza di una soluzione),
ma che dà voce alla frustrazione che un momento storico come il nostro può generare, limitandosi a declinare una situazione sull’orlo del tragico in una chiave comica non marcatamente dissacrante (e quindi poco coraggiosa), ma a tratti divertente e leggera, pur con i limiti, e i relativi margini di miglioramento, che questo genere in Italia ancora manifesta.

Voto 5/6

G.P.

Il Grande Match - Recensione

Regia Peter Segal
Attori Sylvester Stallone, Robert De Niro, Kim Basinger, Alan Arkin, Jon Bernthal, Kevin Hart

Trama

Henry “Razor” Sharp è un ex pugile che vive di rimpianti. Anche Billy “The Kid” McDonnen è un ex pugile, ora imprenditore nel campo delle automobili, dedito alla bella vita e al divertimento. La loro rivalità sportiva si ferma ai due incontri disputati in gioventù, terminati con una vittoria a testa. Pare invece che dietro l’odio che li accomuna (e dietro l’improvviso ritiro di Henry) ci siano motivi più profondi. Un giorno Dante Slate Jr, figlio di un famoso impresario del settore, propone loro una collaborazione per un videogioco, a cui poi seguirà la possibilità di disputare quell’incontro di spareggio che anni prima non si era combattuto. All’orizzonte spunta però BJ, il figlio di Billy, e Sally, una ex fiamma di entrambi, che fa riaccendere la rivalità tra i due contendenti.

Recensione

È tipico di un periodo privo di idee ed immaginazione, andare a ripescare storie dal passato per provare a rivisitarle, cercando di ricavarne ancora qualche cosa. Questa pellicola va oltre: non si limita infatti a riesumare i personaggi del cinema passato (quelli di Rocky e di Toro Scatenato), ma cerca di rispolverare le carriere di due attori di Hollywood ormai arenatesi, ed in perenne bisogno di ossigeno. Mette certamente molta tristezza vedere un film come Toro Scatenato accostato ad una saga, seppur di successo, come Rocky (paragone indiretto, ma evidente, vista l’accoppiata di attori designati per la parte), ma mette ancor più dispiacere vedere Robert De Niro paragonato a Stallone (che forse in questo film addirittura lo supera in intensità). Il film non è che la storia scontata di un amore troncato e di una rivalità mai sfociata in un confronto definitivo. Storia di rimorso e di rimpianto quindi, che però non va oltre il clichè, e che inevitabilmente viene declinata in chiave melensa e buonista attraverso una riappacificazione tanto improvvisata quanto banale. Unica nota che rende il film a tratti sopportabile è l’ironia (da parte dei due protagonisti, ma soprattutto di Alan Arkin, l’allenatore di Henry, e di Kevin Hart, l’organizzatore dell’evento), che distoglie temporaneamente l’attenzione dal “già visto”, facendo così respirare lo spettatore. Ironia per nulla originale, si intende, fatta di battute sull’età che avanza e punzecchiature infantili, che lasciano qualche dubbio sulla reale serietà dell’attrito tra i due protagonisti. L’uno ombroso e retto, l’altro gigione e strafottente fino all’irritazione, nel mezzo una donna (Kim Basinger, anche lei come De Niro, una stella decaduta), che ovviamente alla fine saprà fare la scelta giusta, accasandosi presso il tormentato dal cuore d’oro.
Insomma è davvero complicato prendere sul serio una pellicola che non si capacita della propria pochezza. Il parallelismo che intercorre tra la trama ed il film è evidente: i due attori, come i rispettivi personaggi, debbono affrontare un prova che risulta essere fuori dalla loro portata a causa dell’età, dimostrando così di saperci ancora fare. Fortunatamente il ruolo dell’attore offre delle possibilità di reinventarsi che la temporalmente limitata carriera sportiva non offre, ma questi due attempati signori sembrano ostinatamente intenzionati a non cogliere il beneficio che tale mestiere offre loro, continuando a ricalcare ruoli che ormai sono fuori dalla loro portata. Il film, in merito a questo, sembra mettere le mani avanti, spiegando (tramite una frase pronunciata dai due protagonisti) come questa ripresa dei guantoni non sia altro che una lotta contro il ridicolo, che però i due attori perdono malamente. Evitano infatti di scavare a fondo, cercando di dare vita a due personaggi anziani ed amareggiati, ma per nulla rassegnati alla vecchiaia, come per esempio ha saputo fare magnificamente Clint Eastwood con i suoi film più recenti. Con pellicole come Gran Torino e Million Dollar Baby, infatti, è riuscito ad esplorare con occhio raffinato e sensibile i tormenti di personaggi ormai vecchi, senza fare patetici riferimenti ai ruoli da lui precedentemente interpretati, ma senza neppure prendere troppo le distanze da questi ultimi, andando così a disegnare una pregevolissima parabola esistenziale attraverso i diversi protagonisti dei suoi film, che si accosta a quella tracciata dalla sua splendida seconda parte di carriera.
Qua invece nulla di tutto questo, purtroppo: Stallone continua a replicare il solito eroe monocorde ed inespressivo e come forse nessun altro attore De Niro continua, da 15 anni a questa parte, a scimmiottare la propria immagine, dando il colpo di grazia (forse definitivo) alla sua mai nata seconda carriera d’attore (per intenderci, quella che termina con le interpretazioni degli anni 90), nonostante appena un anno fa si fosse distinto per l’interpretazione Pat Solitano, padre del protagonista Breadly Cooper nel film Il Lato Positivo.
Un film che è avvolto da un velo di tristezza, non generato dalla storia che racconta, ma dalla visione di carriere più o meno gloriose (quelle degli attori coinvolti) consumate davanti alla tentazione di poter rivivere le interpretazioni passate, e magari anche di fronte alla possibilità di percepire un altro ingaggio spaventosamente alto, soprattutto se rapportato alle performance qui offerte.

Voto 4

G.P.

I Sogni Segreti di Walter Mitty - Recensione

Regia Ben Stiller
Attori Ben Stiller, Kristen Wiig, Sean Penn, Adam Scott

Trama

Walter Mitty è un uomo anonimo che conduce una vita monotona e senza slanci. Ha però una fervida immaginazione e spesso la sua mente viaggia, conducendolo sull’onda di pensieri improvvisi e fantasiosi che lo allontanano dalla realtà. L’azienda per cui lavora, la prestigiosa rivista Life, sta subendo una fusione e quindi si prospetta un taglio del personale. A lui è stato affidato il compito di selezionare il fotogramma che diventerà la copertina dell’ultimo numero della rivista. Sean O’Connell, un avventuriero col quale è da anni in contatto, gli manda dei fotogrammi suggerendo il 25 come più adatto per la copertina, ma Walter, che non ha mai perso nulla in 16 anni di lavoro, non riesce a trovare il negativo selezionato. Trovando energia dagli incoraggiamenti di Cheryl , collega della quale è cotto, decide di lanciarsi alla ricerca del fotogramma smarrito e parte così per la Groenlandia.

Recensione

I sogni possono influenzare la realtà? Questa è la domanda alla base di questo film. Walter Mitty ha sempre vissuto nella sua testa, dividendo nettamente la realtà dalla finzione ed innalzando quest’ultima ad uno statuto di impossibilità. Questo ha ristretto da sempre le sue prospettive, relegandolo ad una vita monotona e vigliacca. Resosi conto di quanto la vita possa sembrare un sogno, Walter inizia a dare solidità ai suoi sogni, accogliendoli nella sua vita sottoforma di possibilità. Il coraggio e la curiosità verso l’ignoto lo hanno reso un essere umano più completo, tramutandolo in ciò che avrebbe voluto essere, ma che aveva solo sognato di poter essere. La conquista più a portata di mano, ma anche la più difficile da raggiungere (forse perché la più realizzabile), ovviamente è rappresentata da una donna: un’occasione così prossima a somigliare alla felicità da risultare irraggiungibile. Bolle di sapone che esplodono contro la realtà della sua esistenza, che spinte dalla voce della ragazza di cui è totalmente cotto, si ordinano e prendono consistenza, trasformando la sua esistenza.
Ben Stiller disegna un personaggio timido e riservato, ma pronto ad esplodere: l’accendino in mano lo ha sempre avuto a quanto pare, ma non lo ha mai utilizzato, forse perché semplicemente non sapeva di possederne uno. Un film che dà coraggio e ti fa dire: “beh, se ce l’ha fatta lui…”, che riesce a gettare lo sguardo su una storia che diventa sempre più compatta, evidenziando l’indole magmatica del suo protagonista, colta nel suo momento di evoluzione. L’ironia del personaggio è pacata e sottotono, ma ispira tenerezza e per alcuni forse, un senso immedesimazione. Viene però distorta per un attimo, in una particolare scena: la citazione de Lo strano caso di Benjamin Button. In questo spezzone sembra quasi che Ben Stiller non sappia resistere alla comicità spiccatamente demenziale che gli è propria, facendola confluire in una scena che onestamente fa ridere parecchio, ma che tradisce il tono del film. La scena con Sean Penn mantiene invece intatta la sua ironia stralunata, con l’aggiunta di una serietà che sembra costantemente per cedere allo sberleffo, ma che invece viene mantenuta in equilibrio, contribuendo così ad innalzare questo spezzone a scena clou, nella quale le fila del racconto si uniscono in attesa della sorpresa finale.
Un buon film nel quale i momenti solo sognati, dapprima si incastrano con quelli reali, ma con lo scorrere del film vengono sostituiti da questi ultimi. Nella sostanza Stiller ha saputo costruire, non senza qualche intoppo a livello di ritmo, un film con uno sviluppo interessante, nel quale il protagonista si barcamena tra le varie difficoltà della vita, guardando finalmente in faccia la paura e lo spettro del fallimento, mostrandoci così come la fantasia possa essere l’arma più efficace e concreta per superarli. Una pellicola che filma il lancio del cuore oltre l’ostacolo di Walter Mitty, piccolo uomo dalle possibilità grandi quanto i suoi sogni, che diventa adulto proprio travasando un poco della magia presente nelle sue fantasie, dentro la realtà. Così, senza badare troppo alle
conseguenze, sembra suggerirci che il valore del coraggio risiede proprio nella capacità di saper sognare in grande, a condizione che però i sogni vengano presi sul serio.

Voto 7

G.P.

Sole a Catinelle - Recensione

Regia Gennaro Nunziante

Attori Checco Zalone, Aurore Erguy, Miriam Dalmazio, Robert Dancs, Ruben Aprea

Trama

Checco Zalone è un lavoratore stanco di dipendere da un’azienda che sembra non valorizzarlo. Decide così di licenziarsi per trovare fortuna come venditore di aspirapolverei porta a porta. Sceglie però il periodo peggiore, perché la fabbrica in cui la moglie lavora rischia di chiudere. Inoltre in questa situazione economicamente disastrosa, Checco promette al figlio una vacanza da sogno, in caso di una promozione a pieni voti. Questo accade, così padre e figlio partono per una vacanza sgangherata ed improbabile verso una meta misteriosa ed improvvisata.

Recensione

Come altri addetti ai lavori che popolano il mondo dello spettacolo anche Checco Zalone (storpiatura dell’espressione dialettale “che cozzalone” ovvero “che tamarro”, vero nome Luca Medici) trae ispirazione per il suo ultimo film dal tema del momento: la crisi, interpretandola a suo modo e rivisitandola attraverso una comicità sboccata, che viene affidata alle “gesta” del suo alterego e omonimo cinematografico. Non ha quindi intenti di analisi o propositi di soluzione (e ci mancherebbe), ma segue quello che è il suo stile, basato sullo sberleffo maleducato, volto a inquadrare l’italiano medio (che forse non capisce fino in fondo che è proprio di lui che si sta parlando). L’elemento che contribuisce a rendere comiche le sue disavventure è certamente una grossa dose di fortuna sfacciata che alla fine incorona lo scemo del villaggio come inconsapevole vincitore. Come un Forrest Gump nostrano, lo strampalato self made man non fa altro che fraintendere e deludere chi lo circonda, ma rocambolescamente riesce a superare una selva di ostacoli, rimanendo in equilibrio sul filo teso sopra la sua esistenza malandata. L’ottimismo che Zalone decanta e di cui si fa manifesto è parodiato e tramutato in un misto di incoscienza e strafottenza che (quasi esclusivamente nei film) conduce direttamente in bocca ad un inevitabile lieto fine. Il protagonista appare quasi come un cartoon, per il suo modo genuino e un po’ volgare di porsi, caratterizzato da un’ingenuità infantile dovuta ad un’ignoranza smisurata, e l’ottimismo sopra citato sembra essere motivato dal fatto che semplicemente abbia sentito dire in televisione che “bisogna averlo”, e quindi non è mosso da una speranza radicata o da una fede incrollabile in qualche cosa. Il film quindi si regge su un personaggio/maschera ormai collaudato, che qui viene trasposto in un nuovo contesto, ma anche su uno stile comico rodato, tutto costruito sulla maldestra ignoranza del protagonista, poi esaltata da una struttura di racconto concepita come un susseguirsi di sketch e situazioni comiche. Ovviamente non si tratta di un film nuovo nello stile, poiché la ditta Zalone/Nunziante non si cimenta nella sperimentazione di nuovi meccanismi comici, né tanto meno azzarda un cambio di registro perché squadra che vince non si cambia (dove per “vince” ovviamente si intende “sbancare il botteghino”), ma si limita a liberare l’ignaro sempliciotto di paese all’interno di una situazione caotica, che però incredibilmente ed inconsapevolmente egli riesce in qualche modo a riordinare, tramutandosi nell’eroe di una favola dai toni sboccati e (come si usa dire) politicamente scorretti. Si tratta del solito prodotto godibile che sembra non avere grossi margini di esplorazione da parte di chi costruisce e interpreta le storie, ma al contempo la nuova maschera comica non sembra avere ancora esaurito la carica esplosiva che da qualche anno a questa parte la anima. L’unica speranza in tal senso è che questa macchietta possa trovare nuovi spazi in cui muoversi, e soprattutto ci si augura, che quando questi saranno esauriti, si possa avere il buon gusto necessario per non azzardare inutili tentativi di rianimazione ai danni della salma di un divertimento che fu (oltre che ai danni dello spettatore), come hanno fatto i fratelli Vanzina e Neri Parenti con il loro interminabile filone di film natalizi.

Voto 5/6

G.P.

Cose Nostre (Malavita) - Recensione

Regia Luc Besson
Attori Robert De Niro, Michelle Pfeiffer, Dianna Agron, John D’Leo, Tommy Lee Jones

Trama

La famiglia Manzoni (padre, madre, e due figli adolescenti) si trova costretta a cambiare il nome in Blake e ad emigrare in Francia dagli Stati Uniti, dopo essere stata inserita nel programma di protezione testimoni dalla polizia. Nella nuova località dovrà fare i conti con la convivenza difficile con gli abitanti della tranquilla cittadina che li ospita, cercando di non farsi smascherare dai vecchi “soci in affari”, che stanno cercando Giovanni, il capo famiglia, per fargliela pagare.

Recensione

Il film è spesso poco incisivo e caratterizzato dalla presenza di uno humor che solo talvolta coglie nel segno, battendo costantemente sullo stesso tasto: mira infatti ad ironizzare sulla violenza che la famiglia, in modi differenti, perpetra nei confronti di ogni qualsivoglia intruso che giunge dall’esterno, minandone la serenità. Ha il difetto di non avere equilibrio e di non essere affatto omogeneo, caratteristica che si manifesta nei mal accostati momenti di ironia e di dramma, che finiscono per depotenziare la carica umoristica della pellicola, ridicolizzandone le parti drammatiche. Gli attori raggiungono la sufficienza, e le due superstar si collocano sul piano dei due attori emergenti, lasciando loro lo spazio per poter emergere. De Niro in particolare ricopre il ruolo che ha caratterizzato la sua carriera, quello del gangster, ricorrendo alle sue tipiche espressioni facciali, senza cadere però nell’eccesso che ha minato la sua credibilità nell’ultima decade, tramutandolo in una sorta di caricatura di se stesso. Il gangster pentito con attacchi d’ira incontrollati che emerge in questo film, non è niente di eccelso, ma nemmeno deturpa il passato glorioso dell’attore italo-americano e dei suoi celebri ruoli da malavitoso. La Pfeiffer invece risulta un po’sottotono, pur mantenendo la sinuosità e l’espressione conturbante di un tempo. La regia è poco classica e sembra particolarmente interessata a far coesistere il dramma con la commedia. Appare però incerta nel raggiungimento del suo proposito, e Besson dà l’impressione di non riuscire a guidare al meglio la storia, che infatti sbanda qua e là, regalando talvolta qualche guizzo, ma lasciando trasparire soprattutto un mancato equilibrio nella gestione del tono della storia ed un maldestro dosaggio dei due elementi che invece vorrebbe bilanciare.
La componente comica, come detto, è affidata all’incompatibilità di ogni singolo elemento della famiglia con l’ambiente all’interno del quale dovrebbe mimetizzarsi. Questo espediente fa risultare l’intero nucleo famigliare come distante anni luce dall’habitat in cui si trova, ed ogni tentativo di inserimento diventa matematicamente un fallimento. Il negozio dato alle fiamme, le martellate “giustificate” di De Niro, il racket scolastico e il modo troppo diretto di gestire gli spasimanti indesiderati, rappresentano quindi il meglio di una comicità che non colpisce mai direttamente nel segno, lasciando allo spettatore il gusto di un sorriso smorzato e talvolta poco convinto. Alcune trovate sono discrete, come la citazione di Quei bravi ragazzi: un dichiarato omaggio a De Niro, che si ritrova, per l’appunto, a guardare se stesso sullo schermo, in un espediente frizzante quel tanto che basta per scuotere il torpore che fino a quel momento addormenta il film (tale momento però è solo lasciato intendere allo spettatore, altrimenti l’operazione meta cinematografica sarebbe risultata assai troppo bizzarra e alquanto auto compiaciuta). Discreta trovata dunque, che fa però da ponte per un finale che tradisce completamente il resto della pellicola, soprattutto nel suo ricorrere ad un uso “serio” della violenza, che fino a quel momento era stata ridotta a semplice espediente umoristico. La chiusura torna ad essere ironica, come per incanto, riducendosi però ad un debole tentativo volto a far rientrare la pellicola nei giusti binari, senza peraltro raggiungere lo scopo prefissato. Ne risulta quindi una commediola senza troppe pretese, con pochi momenti discreti ed alcuni momenti di noia, in cui la recitazione degli attori non esalta particolarmente i personaggi ed il potenziale dello spunto iniziale non viene valorizzato a dovere.

Voto 5

G.P.

Come ti Spaccio la Famiglia - Recensione

Regia Rawson Marshall Thurber 
Attori Jason Sudeikis, Jennifer Aniston, Nick Offerman, Emma Roberts, Ed Helms

Trama

David Burke è uno spacciatore di droga che si mantiene vendendo la migliore erba della sua zona, e lo svitato Brad è il grosso spacciatore che lo rifornisce. Un giorno in seguito ad una rapina subita in strada, David torna dal suo capo a mani vuote, derubato sia dei contanti che della droga. Per risarcirlo dei soldi mancanti Brad incarica David di andare oltre il confine col Messico e ritirare una “piccola quantità di droga”. Sapendo che si tratta di una missione suicida decide di andare accompagnato dalla famiglia. David però non ha famiglia e quindi è costretto ad improvvisarla: si fa così aiutare da Rose, spogliarellista indebitata che abita nel suo condominio, Don, goffo ragazzo che abita sul suo stesso pianerottolo, e Casey, ragazza sbandata che vive per strada e che bazzica la loro stessa zona. Tra contrattazioni e liti accese, decidono di partire per il Messico, pronti a recuperare la merce e a sfoggiare il meglio dei loro sorrisi per ottenere dalla polizia della dogana i lasciapassare che servono per tornare a casa. 

Recensione

Di recente sono approdate nei nostri cinema commedie spiritose e divertenti che non risparmiano l’uso di linguaggio scorretto e che trattano temi piccanti. Tra addii al celibato, addii al nubilato, feste adolescenziali e matrimoni, le sale cinematografiche sono state assaltate da pellicole caratterizzate da momenti di baldoria sfrenata, e di eccesso di qualsiasi genere. La variabile riguardo la riuscita del film sta come al solito nell’equilibrio e nella leggerezza, elementi che influenzano soprattutto un film di questo genere. Bene, la pellicola in questione ha una buona dose di equilibrio, e al contempo non risparmia battute piccanti e sberleffi irriverenti, mantenendo però sempre intatto lo spirito della risata, che non scade (quasi) mai nella volgarità compiaciuta. L’intreccio della storia è ben articolato, e la suspanse presente è spesso stemperata in momenti di comicità catartica. Lo spunto di partenza è molto buono perché lascia la possibilità alla trama di svilupparsi agilmente in più direzioni, permettendo così agli attori di dare la giusta caratterizzazione comica ai rispettivi personaggi. Il tema della famiglia, pretesto attorno al quale la storia si snoda, viene affrontato con un approccio scanzonato e irriverente, facendo leva sui clichè della famiglia moderna, come il controllo ossessivo dei genitori, la ribellione degli adolescenti, fino a coniugarsi nel sempiterno tema dell’incomunicabilità tra mariti e mogli, ed ancora di più tra genitori e figli. I consigli maldestri dei genitori scuotono, seppur leggermente, la coscienza dei figli e questa inattesa propensione all’insegnamento suscita qualche risata, ed è proprio in queste scene che il film si fa più profondo (per così dire!), pur continuando a muoversi dentro i colorati confini della commedia demenziale. Gli argomenti sono declinati in chiave comica ed usati come spunti spesso azzeccati: questo approccio salva il film e lo spettatore dal rischio della pedanteria. Il campionario di sfortune che capita a questa famiglia improvvisata rasenta l’incredibile, ma è proprio questa incalzante serie di eventi che mette pepe alla storia, svelando a poco a poco il potenziale comico dei personaggi oltre a quello delle situazioni. Nella seconda parte sembra esserci però un cedimento caratterizzato da momenti più trash che divertenti, e da una narrazione che difetta un po’di freschezza. Lo spirito irriverente del film tende infatti a eclissarsi, seppur parzialmente, e la storia perde d’intensità, dando vita ad una discontinuità evidente con la prima parte, e quindi un leggero cedimento non si può che registrarlo.  Non siamo ai livelli di Una notte da leoni, una commedia scoppiettante dall’inizio alla fine, ma comunque l’intento sembra essere quello, seppur la storia parta da uno spunto differente. Con Una notte da leoni ha in comune l’attore Ed Helms (Stu, maldestro dentista represso), che in quest’occasione interpreta Brad, lo spacciatore mandante del viaggio. Il suo personaggio è il più spericolato e immorale di tutti e di certo l’interpretazione di Helms trae gran parte della sua forza dal contrasto con il personaggio interpretato nel film precedente, che spiazza e diverte lo spettatore. A causa dell’argomento trattato, aleggia sul film la possibilità che la conclusione possa cedere ad una sfumatura dolciastra, che condurrebbe la storia verso un finale troppo stucchevole: fortunatamente però l’ultima inquadratura del film rimette le cose al loro posto, andando a confermare, con una massiccia dose di ironia, l’indole bizzarra dei singoli personaggi e, allo stesso tempo, la loro plausibile credibilità nei panni della classica famiglia americana. 

Voto 6,5

G.P.

Monsters University - Recensione

Trama

Il piccolo Mike Wazovski, mostro monocolo minuto ed emarginato, sogna di diventare uno spaventatore. Si iscrive alla facoltà di spavento, dove non si fa scoraggiare dalle sue misere doti fisiche e si impegna con tutto se stesso per emergere. Entrerà però ben presto in conflitto con un altro aspirante spaventatore, discendente di una grande famiglia di spaventatori: James P. Sullivan. Rischiando entrambi di essere espulsi dall’università a causa di una bravata, dovranno vincere una gara di spavento a squadre per potervi rimanere, come pattuito con la preside, e per farlo dovranno allearsi. La gara si rivelerà però assai complicata, sia per le difficoltà pratiche della squadra, sia per l’ostilità con gli altri team, e di uno in particolare.

Recensione

Il film parte e si sviluppa come un normale film a sfondo universitario, una sorta di Animal House in versione cartoon (al quale gli autori si sono ispirati), non avvicinandosi però alla poesia che era presente nel film precedente, datato 2001. Infatti, seppur ben costruito e collaudato a misura di bambino (ma fruibile anche dagli adulti come è nella tradizione Disney e Pixar), inizialmente sembra non avere quella profondità che lo farebbe sembrare qualcosa di più di un semplice cartoon. Ma nello sviluppo della storia c’è spazio per un inversione di rotta che trasforma il film in una parabola sull’accettazione di sé, sull’amicizia impossibile che germoglia ugualmente, sul riconoscimento della propria unicità e sul valore dell’adattamento e della tenacia. Lontano da quelle commediole demenzial- adolescenziali, della serie: l’incorreggibile sfigato si riscatta diventando una sorta di James Dean spavaldo e sciupa femmine (parecchio improbabile). I presupposti e gli ingredienti sono quelli (almeno per quanto riguarda la figura dell’inadatto che cerca di non sentirsi fuori posto, visto che qui il lato sentimentale non è preso in considerazione), ma vengono amalgamati con sapienza sopraffina e serviti nel finale, dando al film quella profondità che sembrava mancargli. Ed in prospettiva questa storia potrà fare meglio ai bambini se assimilata attraverso questo film piuttosto che buttarla giù come un cocktail attraverso un film del genere sovra citato. E anche agli adulti rassegnati potrà regalare un po’ di saggezza sull’argomento, allontanandoli dal disincanto che può sopraggiungere quando l’era dei balocchi è ormai finita; tutto ciò senza però cadere nel buonismo, che comunque è sempre in agguato in questo genere cinematografico, poiché si sa mimetizzare bene tra i colori sfavillanti del cartone animato.
Il rovesciamento caratteriale dei due protagonisti rispetto al film del 2001 (ma anche la loro conservata complementarietà) permette alla pellicola di esplorare territori nuovi, contrariamente a quanto il film precedente sembrava poter permettere. I personaggi infatti vengono utilizzati in maniera originale ed imprevedibile, andando a scombinare l’idea che ci si era fatti di Mike e Sulley , cambiando loro il carattere e arrivando addirittura a invertirne i ruoli. Lo stesso Randall, la lucertola camaleontica che diverrà l’antagonista della coppia di mostri, spiazza nella nuova veste di studente incerto ed insicuro. L’assenza di un antagonista ben definito e minaccioso non indebolisce la trama: come scelta si adatta infatti al tipo di film che va a delinearsi, in cui la sfida è legata alla messa a fuoco dei propri desideri ed aspirazioni, volta ad una maturazione personale ed ad una ricerca di identità, che fa della difficoltà di crescere e di maturare il vero ostacolo da superare per potersi definitivamente svelare e scoprire come adulti. Come a dire che l’adolescenza e la giovinezza sono periodi già abbastanza duri per essere caricati con la presenza di un arcinemico in stile Marvel, piuttosto si addice loro una presenza meno minacciosa e più disturbante (come il rettore dell’università o la confraternita rivale) che mette in discussione le qualità dei due protagonisti, testando la loro grinta, determinazione e volontà.
Niente di nuovo per quanto riguarda la descrizione del mondo dei mostri, con il ribaltamento delle leggi estetiche che fanno del ribrezzo e del disgusto gli elementi di attrattiva, mantenendo però
come metro di valore nella gerarchia del mondo tardo adolescenziale la prestanza fisica, il successo nell’impiego e l’abilità di spaventare, più o meno gli stessi criteri che circolano nel mondo al di là delle porte della fabbrica di spavento di Mostropoli (il nostro mondo, per intenderci). In definitiva siamo leggermente sotto al suo predecessore per quanto riguarda la compattezza strutturale e il livello di profondità, ma si tratta comunque di un buonissimo film che riserva al finale il suo lato più profondo e tenero, nonostante entrambi siano però latenti nel corso di tutta la pellicola. Il divertimento è assicurato per i più piccoli, i richiami ed i riferimenti a Monsters and Co. sono molteplici e doverosi e forse più alla portata dei grandi. Il raccordo tra le due pellicole è riuscito, soprattutto per quanto riguarda l’evoluzione dei personaggi e della loro storia, i loro cambiamenti danno così originalità al film diventando anche efficaci elementi comici ed arrivando addirittura talvolta a suscitare grande sorpresa. Stupisce proprio per come il film sa mostrare che le cose spesso vanno in maniera totalmente inaspettata rispetto a come il personaggio (o lo spettatore) se le era immaginate, ed anche questo è indubbiamente un elemento di grande realismo, tipico di un’idea di cartone animato ormai adulta. Un film degno della ditta Disney e Pixar che va ad accostarsi ad una lunga sfilza di altri grandi film da lei prodotti, ancor più apprezzabile se si tiene conto che si tratta del secondo capitolo in ordine di realizzazione e quindi ben più difficoltoso da ideare, poiché vincolato (in questo caso in particolare) ad un capostipite decisamente importante e riuscito.

Voto 8-

G.P.

Uomini di Parola - Recensione

Trama

Dopo essere uscito di galera, Val (Pacino) viene accolto da Doc (Walken), un vecchio amico e “collega”. I due cominciano a ricordare gli anni passati, trascorrendo una serata che ha come scopo quello di far tornare Val alla vita vissuta, fatta di bar bevute e donne. Ma Doc ha il compito di uccidere Val, incarico assegnatogli da un boss della zona, desideroso di uccidere Val poiché quest’ultimo sarebbe stato la causa della morte del figlio. Così, rivelato a Val lo scopo del loro incontro, i due rintracciano Hirsch (Arkin), una mago della guida, e lo ritrovano all’ospizio dove vive da qualche tempo e, tra un furto d’auto ed una notte trascorsa in dolce compagnia, i tre decidono di architettare la fuga.

Recensione

“Cos’hai intenzione di fare?" - "Finire il liceo”. Una frase del genere pronunciata da tre ex malviventi al tramonto delle loro esistenze, potrebbe essere la sintesi di quello che questo film avrebbe potuto essere: disincanto e malinconia misti ad ironia e senso del comico. Il film parte da uno spunto molto promettente, allacciandosi al filone nostalgico della serie “quando eravamo giovani”, ma purtroppo sembra rimanere sempre in bilico, non concedendo quasi nulla alla malinconia e lasciando poco spazio alla comicità. Infatti quest’ultima è espressa stancamente da qualche situazione comica, come l’erezione infinita di Al Pacino, o le droghe che negli anni sono state sostituite dai farmaci, intervallate da qualche boccata di ossigeno, presa direttamente dalla bombola. Di ben altro spessore avrebbe potuto essere l’approccio alla situazione “vecchiaia”, che avrebbe dovuto comprendere una riflessione più profonda sul tempo che passa. L’incombere della morte invece è più esplicito, espresso dall’impianto narrativo, che la vede aleggiare costantemente sulla testa di Val, per poi manifestarsi in maniera più concreta. Gli attori ricalcano fedelmente i rispettivi stili recitativi, non scadendo nell’abuso (come ha fatto De Niro per tutta la prima decade del 2000), evitando così di correre qualche rischio. Al Pacino rimane il solito istrione dalla camminata sbilenca, dal ciuffo intrattabile e dall’occhiata feroce e Walken (l’indimenticabile Nick de “Il cacciatore”), mantiene i suoi sguardi lunghi e freddi per poi scongelarli, quando l’azione volge al termine, senza mai però scioglierli del tutto, Arkin invece, recita leggermente sotto tono, caratterizzando un personaggio lucido al volante, freddo nell’approccio, ma irrimediabilmente immalinconito dal tempo: insomma, sembra che sui tre premi Oscar si sia adagiata un po’ di polvere, ma si sanno far riconoscere e sanno ancora, a tratti, accendere la scintilla. Altro punto debole del film: il finale. Su tutto il film aleggia lo spettro della morte, ma un finale poco incisivo rimanda tutto ad un “chissà “ (e qui mi fermo…). Il trailer poteva riportare alla mente i film di Clint Eastwood, con le loro luci morbide e sfumate e con l’incombere persistente del passato sul presente e il bisogno di una redenzione tardiva e forse impossibile, al quale tra l’altro sembra far riferimento in alcune situazioni (l’acquisto dell’abito al termine del film richiama il medesimo gesto di Walt Kowalsky in Gran Torino): invece qui l’attesa viene delusa a causa di un prodotto che non ha la profondità adeguata, risultando, tutto sommato, una discreta commediola mista ad un po’ di azione sgangherata, che si limita quindi ad essere un racconto qua e là divertente, senza mai però affondare il colpo, evitando sempre di prendersi seriamente. Non ha però soltanto lati negativi: è un film che a tratti sa divertire, che regala momenti piacevoli, e divagazioni impreviste (anche se non sempre azzeccate: come l’episodio della ragazza trovata nel bagagliaio), gag e battute indovinate (la confessione in chiesa, per dirne una) e momenti di reale commozione. Un film che si può vedere tranquillamente, senza la necessità di una concentrazione eccessiva, che ha nella leggerezza (un po’ casuale e forse non del tutto voluta), l’elemento che lo rende fruibile e divertente, ma che al termine della proiezione lascia l’impressione che avrebbe comunque potuto trattarsi di qualcosa di più.

Voto 6-

G.P.

La Grande Bellezza - Recensione

Trama

Jep Gambardella (Toni Servillo) è uno scrittore di 65 anni, che si occupa di articoli mondani e che trascorre la sua vita passando da una festa all'altra. Si era trasferito a Roma all'età di 26 anni, e giunto nella capitale comincia a frequentare feste e party. Un tempo aveva ambizioni da scrittore, infatti in gioventù scrisse L’Apparato Umano, libro che riscosse un discreto successo. Oggi invece si lascia prendere dall'incanto che Roma gli offre e si abbandona allo squallore a cui una vita senza scopo può condurre. Ha un amico, Romano (Carlo Verdone) che lo asseconda in tutto e che nonostante la differenza di cultura e di intelligenza che li separa, lo ammira e lo stima sinceramente. Durante le sue notti incontra intellettuali, che ospita sulla sua terrazza, e incontra anche Ramona (Sabrina Ferilli) la figlia di un suo lontano conoscente, alla quale sembra affezionarsi. Nel frattempo riceve anche la notizia della morte di sua ex fidanzata, lasciata quando erano ancora giovani. Continua così la sua esistenza cercando di resistere alla desolazione che lo opprime.

Recensione

È stato fin da subito paragonato alla Dolce Vita di Fellini per il soggetto, molto simile, e per il protagonista e la sua funzione di tramite tra pubblico e ambientazione, senza contare alcuni richiami espliciti.
Il mondo descritto è un mondo che non progredisce, intento com'è a specchiarsi: tutti si specchiano nella speranza di conservarsi, cercando invano di riprodurre ciò che è stato le sera prima e la sera prima ancora. Un mondo chiuso che è in cerca della sua coda e che, dopo averla addentata, la consuma con la foga di chi vuole ostinatamente bastare a se stesso; un trenino festante e ubriaco che parte spontaneamente per poi deragliare poco più in là. La festa diventa quindi un momento di isolamento collettivo, in cui se si raggiunge la consapevolezza di questa situazione e non si ha la forza di superarla e quindi, si diventa consci della propria imbalsamatura, arrendendosi ad una vita che non può che essere sempre simile a se stessa. La Roma descritta è una statua di marmo, levigata e bianca, imperturbabile, immutabile: cadaverica. E l’eternità che richiama con la sua presenza possente e solenne è la stessa alla quale mirano i personaggi annichiliti che popolano queste feste che hanno luogo negli attici situati nella zona ricca della città, dove la noia si lascia sentire meglio che in altri luoghi. Il richiamo al sacro è evidente e si mescola al profano, in una comunione di ritualità non poi così distanti, che hanno come radice la volontà di conservarsi.
La commozione del protagonista emerge però inaspettata, facendo capolino dalle crepe di un’emotività atrofizzata, e andandosi a chiamare, ripescandosi sotto forma di ricordo giovanile, sepolto da anni da luci e bicchieri lasciati alla pazienza di chi poi, di mattino, dovrà ripulire. La scena del ragazzo che si fotografa quotidianamente (continuando l’abitudine del padre che lo fotografava ogni giorno, fin dal giorno della sua nascita), per esempio, lo commuove: forse perché accostando il suo mondo, basato su un’apparenza frivola, al mondo del ragazzo, che nell'apparenza vede la volontà di un’auto scoperta e che rivendica lo specchiarsi come un meccanismo per cogliere la propria evoluzione e non per registrare la tanto superficiale rincorsa alla giovinezza (mai) ritrovata, riscopre le radici di una sensibilità che gli è propria, mai del tutto sommersa, che da anni non riusciva a cogliere in maniera così nitida.
Il film, pur non avendo una trama vera e propria, regge bene, riempiendo le due ore abbondanti che lo compongono. La solitudine dell’uomo è ben rappresentata e magistralmente incarnata da Toni Servillo. La natura dei suoi rapporti sociali è descritta in tutta la sua sterilità e il suo disincanto è colto ed analizzato a partire dalla sua radice più profonda: tutto ciò fa sì che il film si imbatta in temi universali senza perdere mai le redini, quasi come se la pellicola fosse la fenomenologia di una vita mancata, ma che si ritrova proprio nella consapevolezza di esserlo, pur non trovando, comunque, un suo compimento a causa di una volontà pigra, che lo relega ad una dimensione contemplativa, troppo povera quindi per essere completa.
Lo stile del film è tutt'altro che classico: lavora molto su traiettorie di camera elaborate, angolature particolari e un montaggio che nelle parti, per così dire, festaiole appare rapido e serrato, a riprodurre un’atmosfera forsennata. Si fa più morbido, invece nelle scene contemplative o in quelle dedicate al ricordo.
Lo stile di Sorrentino risente sempre del suo tocco grottesco, che però, se ben bilanciato, finisce con l’essere un elemento non solo decorativo, ma connotativo della storia e dei personaggi. A volte sembra voler eccedere e il grottesco sconfina nel ridicolo (per esempio la scena della Ferilli che nuota in piscina con la ciambella) in altre invece riesce ad essere incisivo e dissacrante con una freddezza incredibile, centrando il bersaglio con la maestria dell’arciere consumato (la scena del ritocco estetico, per dirne una).
I personaggi descritti sono pezzetti di un collage che si incastrano alla perfezione, e quelli più prossimi al protagonista, che gli gravitano attorno in qualità di amici o confidenti, sono di fatto gli uditori e i testimoni del disfacimento di Jep e sono ben caratterizzati (soprattutto Romano, interpretato da Verdone, in un ruolo inedito), bravi nel non eccedere e nell'assecondare la stanchezza che il protagonista porta con sé. Infine Servillo è camaleontico nell'assumere toni e espressioni che il suo stesso personaggio indossa come un indumento per mimetizzarsi dentro la fauna che ogni sera si accinge a frequentare. È magistrale quindi nel conferire al personaggio quel senso di vacuità e al contempo quella debordante sensibilità, che con l’andare degli anni è diventata un cadavere fatto di aspirazioni e di rimpianti, che potranno riprendere vita solo con l’abbandono a quello stupore davanti al quale Jep sembra volersi arrendere, in alcuni toccanti stralci del film.
Da notare l’ultima inquadratura, chiaro riferimento alla Dolce vita, ma decisamente differente nella durata e nel messaggio.
Un grande film che sa descrivere “gli sparuti e incostanti sprazzi di bellezza” e “lo squallore disgraziato” che “è l’uomo miserabile”. Un film che non si fa manifesto solo di un’epoca in disfacimento come la nostra, ma che attraverso l’analisi dell’uomo moderno scava a fondo raccordandosi con la sua essenza più desolata e desolante, avvicinandosi a quella che è la comprensione dell’uomo in sé e accostando l’orecchio a quella che è la sua anima o a ciò che ne rimane.

Voto 9

G.P.

Ironman 3 - Recensione

Trama

Tony Strak sta progettando nuovi Ironman e passa intere giornate a brevettare nuovi congegni per migliorare il potenziale della sua creatura. Trascura la sua compagna Pepper, che però, sapendo con chi si è fidanzata, cerca di non fargli pesare più di tanto queste sue mancanze. Dal passato di Tony fa il suo ritorno un personaggio inquietante, un uomo che era stato trascurato più di dieci anni prima dal magnate e che, dopo essersi ripreso dallo smacco subito, si fa vivo contattando Pepper per proporle una poco chiara transazione d’affari. Al contempo si sono verificati degli attacchi terroristici che potrebbero centrare con questa inquietante presenza, ma che vengono imputati al Mandarino, un terrorista mediorientale che fomenta l’odio contro l’America, definendosi non un uomo di distruzione e di terrore, ma un maestro pronto ad impartire una lezione severa a tutto l’occidente. Ironman è quindi ancora una volta chiamato in causa per disinnescare il pericolo imminente e salvare tutti coloro che sono in pericolo, con l’onere stavolta, di dover far quadrare i suoi “impegni di lavoro” con il conseguimento di una stabilità di relazione con la balla compagna.

Recensione


Il super eroe in questione non è la solita sintesi di tutte le buone qualità umane, non è uno spot pubblicitario, non è immune da tristezza e ossessioni, non è nulla di tutto questo. È, come visto anche nei precedenti episodi, un uomo vittima di un ego spaventoso e di tutti i conseguenti deliri che una megalomania tanto ingombrante può comportare. Qui, in questo terzo film, il suo personaggio diventa ancor più complesso, arrivando a manifestare questo suo senso di inadeguatezza attraverso attacchi di panico sempre più frequenti, rivelatori di un disagio forte, quasi come se non vedesse l’ora di scrollarsi di dosso l’aura di supereroe e l’onere che esso comporta, lasciando posto alla persona piuttosto che al personaggio, al volto piuttosto che alla maschera. Emblematica in tal senso è la scena in cui Tony è costretto a trascinare la sua corazza attraverso un sentiero innevato, nel bel mezzo di una tormenta. Questa è l’immagine simbolo del film: un uomo che vive come un peso il proprio alterego, ma dal quale, alla fine, riuscirà a separarsi. L’introspezione del personaggio è quindi uno degli aspetti nuovi o comunque più marcati, poco presenti e che raramente compaiono nei film per ragazzi di questo genere. Era già accaduto col primo Ironman e, un po’ meno col secondo, e si era visto con la trilogia di Batman di Nolan (ma quello è senza dubbio il supereroe che è stato trattato in maniera più adulta e che ha saputo nobilitare il filone, superandolo). Comunque il film in questione sa offrire momenti di ironia godibilissimi, tutti veicolati dalla compiaciuta guasconeria da Robert Downey Jr., che per certi aspetti ricorda i grandi comici di razza, che sapevano far ridere con l’immobilità del proprio volto, come per esempio Hugh Laurie (dr. House) e Bill Murray. La vicenda in questo caso offre spunti che sono molto attuali, come il tema della manipolazione delle masse e l’uso fondamentale dei media a tale scopo e, anzi, si potrebbe addirittura affermare che si tratti di una riflessione sul ruolo dell’immagine e su come questa possa colpire e distorcere a tal punto lo sguardo dello spettatore, fino a portarlo dalla propria parte. Il tema della vendetta, molto gettonato all’interno di questo genere cinematografico, è qui affrontato in modo standard, con il cattivo di turno che in parte è stato reso tale dal buono, che, a quanto pare, totalmente buono non è. Ciò potrebbe essere traslato all’interno di una parabola che vede il protagonista come creatore dei propri mostri e quindi anche come il più indicato alla loro eliminazione. Per la prima volta vediamo Tony Stark, magnate
dell’industria e potente uomo d’affari, alle prese con un tentativo di rapporto stabile con la bella compagna Pepper (Gwyneth Paltrow), e forse proprio questo si rivelerà essere la vera sfida per l’uomo che abita dentro la sua corazza. Insomma un vero dilemma per un protagonista, che dovrà fare i conti, da una parte, con l’ingombro della maschera da eroe e, dall’altra, con la vulnerabilità che l’assenza di quest’ultima comporterebbe. Inutile citare l’utilizzo abbondante di effetti speciali, che però quasi mai diventano invadenti, trasformandosi così in un maldestro stratagemma (specialmente per questo genere di film) di riempire vuoti di idee e di sceneggiatura: sono infatti limitati, seppur sofisticati e all’avanguardia, all’esaurimento del loro compito prioritario, cioè quello decorativo e, se vogliamo, emozionale. In definitiva si tratta quindi di un prodotto (di poco) sopra la media, all’interno del filone tratto dai Comics: che riesca, giunto al terzo episodio, ad essere superiore ad altre pellicole dello stesso genere (che magari rappresentano il tassello d’esordio di nuove saghe tratte dai fumetti) rappresenta sicuramente un punto a suo favore: il film conclusivo (forse) di una trilogia che ha, nel primo capitolo, sicuramente la sua parte migliore, ma che ha in questo film una degna chiusura.

Voto 6,5

G.P.